I’ll keep it quite brief. There’s not an awful lot to say about this, even if I try. Let the review just wash over you in much the same way as the film itself. ‘More of the same’ is very much the order of the day in this sequel to the French free-running action flick.
Firstly, I’ll lay this out for the record; I find parkour amazingly impressive. Who wouldn’t? This is clearly going to colour my enjoyment of the film. The problem is that parkour, as impressive as it is, has had its day in the sun. It’s been devalued by its overuse. Casino Royale I’ll let slide but was it needed in Die Hard 4.0? It’s been bolted on to so many action films that it’s the modern equivalent of the proliferation of wire-fu and bullet-time ten years ago.
The biggest problem here, in a film so reliant on it, is that it’s underused if anything. There are some good examples of it, but they’re few and far between and have that ‘seen it all before’ quality. When the lead actors are renowned for their athleticism, and not their acting ability or charisma, it leaves a pretty big deficit at the heart of the film.
As a result of the fast-moving nature of the discipline, the film-makers are faced with three options for their key stunts; show the feat as-is and risk it being too quick, show it in slow-motion and lose the impact of it, or just repeat it immediately from a marginally different angle. They choose the latter, which proves infuriating. For the most part, the rest of the action is made up of, admittedly well-choreographed, punch-ups. Gimmicks such as cross-dressing and the use of a priceless van Gogh as a weapon show a deft comic touch which gives it a Jackie Chan-esque likeability.
Critiquing the script in an action film is a bit like having a go at the Dalai Lama’s dress sense. That said it is pretty dire (the script, not the Tibetan guru’s togs). It actually takes a brief respite midway to recap the plot so far, complete with flashbacks, in an atrocious exposition scene that spells it out for those who may have been slow on the uptake.
All said, it’s enjoyable hokum with a modicum of socio-political relevance concerning the ghettoisation of the French underclass. As such, it resonates as a more realistic dystopia then much of its cinematic ilk.
It’s no masterpiece, even within its own sub-genre, but it’s by no means awful. When taken as nonsense around which a series of mainly impressive set-piece action scenes are hung, it’s hugely entertaining – which is really all you need sometimes.
Aquí tenéis un nuevo poster de "Final Solution", un film danés de terror con temibles nazis de por medio, de la que ya os hablamos hace tiempo. El film está dirigido por Martin Bech y protagonizado por Maja Mae, Caspar Jexley Fomsgaard, Behruz Banissi, Dennis Haladyn y Line Ystergaard.
La película se adentra en los tiempos de la ocupación nazi de Dinamarca. Los pescadores ayudaban a los judíos a huir a Suecia, a cambio de un alto precio, que las familias se veían obligadas a pagar si querían escapar al exterminio. Emma se quedará sola cuando su familia sea traicionada y vendida, por algunos de estos pescadores sin escrúpulos, a los nazis. La familia de Emma será conducida a un campo secreto de extermino oculto en las profundidades de los bosques suecos
Al terminar la guerra años después, Emma, que sobrevive gracias a la ayuda de una amiga de su madre, volverá para intentar descubrir qué le ocurrió a su familia, topándose con algo que va más allá de sus peores pesadillas.
Aprovecho para volver a poner el tráiler de la película que cuenta con una factura impecable, demostrando el excelente estado de salud del fantástico europeo.
"Storage" es un intenso thriller de misterio escrito y dirigido por el australiano Michael Craft, quien debuta en el largometraje con este film que ha obtenido muy buenas criticas en los festivales en los que ha participado e incluso ha llegado a ser comparada con las obras de Alfred Hitchcock.
El film nos cuenta la historia de Jimmy, un joven de 17 años que tras la muerte de su padre termina trabajando en el negocio de su tío, una instalación de almacenamiento, allí se hace amigo de una compañera de trabajo llamada Zia.
Pero Jimmy descubre que uno de los clientes puede estar escondiendo pruebas de un asesinato en una de las unidades de almacenamiento. Horrorizado, Jimmy decide investigarlo pero pronto se da cuenta que se esta mentiendo por un camino oscuro del que es imposible retroceder.
Matthew Scully, Damien Garvey, Saskia Burmeister y Robert Mammone forman el reparto, la película ya ha salido en DVD al otro lado del charco. Aquí os dejamos el trailer:
A hard-hitting abuse drama, starring Mariah Carey. That’s not a summation that inspires confidence. It comes with preconceived ideas and expectations of an insipid ‘inspirational’ struggle against the odds. However, it’s garnering plaudits aplenty so I figured the majority can’t be that far wrong. They weren’t. Precious (to use its colloquial title) is a very fine piece of work indeed.
The home-life of Claireece Precious Jones is pretty harrowing; twice pregnant to her father, emotionally and physically abusive mother, impoverished. Add to that the fact she’s severely overweight, illiterate and bullied. Prospects don’t look good. That’s where the film wrong-foots you, it’s not necessarily about overcoming adversity and the plight of this poor girl. It’s about an ordinary girl in extraordinary circumstances, enduring supreme hardship. It’s not constantly trying to ram a message down your throat. The fact that there are probably numerous Preciouses out there isn’t a cause for a crusade. As an audience, we’re not being held accountable.
Precious herself is not a character who requires our pity. Sure, she’s got a pretty awful life but she’s choosing to do the best she can to get herself out of that. It may not present her as happy with her lot but it never presents her as lacking in spirit and prone to conceding defeat. In that way, she is inspirational. The performance of newcomer Gabourey Sidibe is at once naturalistic and utterly compelling. The scenes of her bonding with new classmates seem entirely legitimate with a sense of authenticity lacking in other films which tread the same ground.
Although inevitably erring towards it at times, the film tries its utmost to avoid the clichés which plague the genre. The music is never downbeat even as misery upon misery is heaped on. Even the bleakest scene is underscored by the most uplifting (often gospel) music. It’s decidedly low-key and avoids becoming too overblown. The scenes of abuse never become ‘misery porn’ and the flights of fancy which take place in Precious’ mind when faced with extreme hardship have the opposite effect, merely foregrounding the juxtaposition of dreamworld idyll and harsh reality.
Director Lee Daniels has a keen eye and every scene is imbued with interesting visuals and kinetic cinematography – but never to the detriment of story or character development. Mo’Nique is the most pantomime of the characters as Precious’ vile mother, although later scenes reveal a depth that wasn’t seen in the earlier acts. The appearances of Mariah Carey and cock-rocker Lenny Kravitz, while momentarily distracting, are not ostentatious and ol’ leather trousers actually provides one of the films only true moments of levity. It’s not entirely without shards of light among the murk. It takes a brave film to present such uncompromising hardship yet still have the time (and audacity) to include a throwaway scene making light of Precious’ malapropian misnaming of ‘incest’, without appearing tasteless.
At times more horrific than many horror films, it’s not a film which offers easy answers or easy solutions – which wasn’t what I expected from it. At all.
(High) 4/5
Bad Lieutenant
Put the controversy to one side which, from today’s perspective, is pretty inconsequential anyway. For anyone unfamiliar, this is a character study. Harvey Keitel is the unnamed dirty cop of the title, but his dirtiness goes far beyond typical depictions of police corruption; he smokes crack, commits sex crimes, gambles, boozes hard, extorts money and pilfers cocaine from crime scenes. As if that weren’t enough he couldn’t care less about his role as a protector of society. He’d rather discuss sports fixtures than investigate a double murder and is entirely happy with letting criminals go free if it meets his own needs.
It’s a virtuoso performance from Keitel, from his pained primal yelps to his narcotic-induced stupor. Never afraid to take it to extremes and, even for an actor previously uninhibited in this area, is unafraid of airing of his old fella when it’s needed. The depictions of his drug-addled haze are well-realised and inventive each and every time they regularly appear. The film never departs from the central character for more than a few seconds and the camera is unwavering as it focuses on Keitel. Long static shots add to the sense of discomfort as he goes about his routine. Even the contrasting scenes of his family life have a pervading sense of menace which could erupt at any time.
For all cop films, as irregular as this or otherwise, there’s a central crime which the film is hung around. Here, co-writer/director Abel Ferrara almost childishly chooses the most provocative crime in a deliberate attempt to foreground the film’s controversial nature; the rape of a young nun. The religious complexion of this crime allows the film to introduce themes of redemption and a constant ramming of ecclesiastical iconography, which is overplayed, but then the entire film is caricatured to the point of excess. Despite never appearing to tacitly chastise the character and his actions, there’s only really one possible outcome for the Lieutenant and even an epiphany may not be enough to prevent it.
Ferrara’s direction is visually wondrous with particularly extravagant lighting and a measured, precise movement that allows the film room to breathe. With no score to speak of this combines with, and adds to, the level of unease the film creates. There’s a baseball subplot which runs through it, with sports commentary occasionally replacing music cues as a by-proxy means of manipulation.
Despite a few leery scenes, it’s not quite the controversy magnet it’s made out to be (highlighted by the fact it’s now an unlikely franchise). Abel Ferrara’s excessive manner at the least ensures that it’s creatively uncompromised with a distinct arthouse sensibility that’s liable to disappoint anyone looking for a laddish thrill-ride.
Según anunció Electronic Arts, el próximo 8 de febrero saldrá en DVD y Blu-Ray la película animada "Dante’s Inferno". Por su parte, el videojuego se pondrá a la venta el próximo 4 de febrero, y saldran diferentes ediciónes especiales que contendrán un ejemplar de "La Divina Comedia", una figura de Dante, la banda sonóra, varios extras dedicados a la figura del poeta, así como el proceso de creación del juego. Pero este lanzamiento no se limita sólo a las consolas y la animación, ya que vendrá acompañado de una serie de cómics de fantasmagórico estilo creados por el ilustrador zaragozano Diego Latorre (arriba podéis contemplar una de las ilustraciónes).
Tanto el juego, la película de animación y el comic, se basan en una parte del poema clásico de Dante Alighieri, llevando a los espectadores (o jugadores) a un viaje sorprendente a través de los nueve círculos del infierno, siguiendo a Dante a través del Limbo, la Lujuria, la Gula, la Avaricia, la Ira, la Herejía, la Violencia, el Engaño y la Traición en la búsqueda de su verdadero amor, Beatrice.
"Dante’s Inferno: The Animated Movie" es un proyecto visualmente impresionante de los equipos creativos que estan detrás de algunas de las películas animadas más audaces de todos los tiempos ("Ghost in the Shell", "Blood The Last Vampire", "Tales of the Black Freighter"...) proporcionando una nueva versión del clásico de Dante Alighieri. La película tendrá una duración de 90 minutos, aquí tenéis el trailer:
Antes que nada aclararé que George A.Romero no tiene nada que ver con esta película. Gary King dirige este film de zombies de bajo presupuesto que mezcla géneros tan dispares como la comedia, la acción, la fantasía, y el terror.
Sinopsis: El film cuenta la historia de Wanda (Chistina Rose) es una atractiva empollona que no ha destacado nada en la vida, su profesor de karate (Jack Abele) es un pervertido algo tocado de la cabeza y muy aficionado a las correas, las mordazas y los juguetes sexuales.
Cuando el autobús de la escuela de karate rival atropella por accidente a dos científicos, una extraña sustancia de un bidón se vierte en el sistema de alcantirillado intoxicando la ciudad y a los propios karatekas convirtiéndolos así en una especie de ninjas zombie.
Wanda y su profesor deberán salvar al planeta con la ayuda de un cinturón mágico de karate que dota de increíbles poderes a quien lo lleva puesto. Una épica historia llena de cerebros, tetas y malas perras, "Death of the Dead" es diversión para toda la familia!.
La película se espera para este año 2010, aquí os dejamos el trailer:
Firstly, let’s make this clear, I’m coming to this from a standpoint of being unfamiliar with the oeuvre of Charles Bukowski. I can just about muster up some knowledge on the general themes he deals in, but I’m not well-versed by any means.
A factotum is a man who works many jobs, as the full title helpfully informs, and that sums up Hank Chinaski (Bukowski’s alter-ego, played by Matt Dillon). What this soubriquet doesn’t tell us is that his general demeanour and hard-drinking means that each position tends to be short-lived.
Through the constant fug of chain-smoked cigarettes lies a pretty sparky script at its heart; full of bitterness and despair at the human condition, laced with pitch-black humour. Dillon’s red-faced, crumpled Chinaski embodies the struggling writer and his narration lends the film an authentic voice, holding it together as it takes massive progressive leaps and writes-off vast swathes of plot in voiceover. The laconic drawl casts the character as near-emotionless when interacting with others - which fits perfectly with the constant, quietly inebriated state. The film never opts to preach to us about the pitfalls of such an existence. Aside from losing the odd job, Chinaski is a functioning alcoholic. As impassioned and tortured an artist as he may be, it’s his inherent personality which makes him dislikeable and not the fact he’s plied with booze.
Other characters come off less well. Lili Taylor (the go-to girl for this sort of thing, looking like Evangeline Lilly’s older sister after a particularly rough night) and Marisa Tomei (beginning her unofficial late-noughties, chest-baring trilogy of indies) get nothing to do with their thankless ‘girlfriend’ roles, merely acting as brief ciphers through which we can see Hank’s character.
Considering the fairly squalid existence it portrays, the film has a glossy digital look which is bright and crisp, making it distracting and ill-befitting. The look, and feel, of it never seems to capture a real sense of booze-soaked excess. As a film, it’s hard to warm to. It’s not biting enough to succeed as a cult curio (à la Withnail & I or Fear And Loathing In Las Vegas), but not conventional enough to relate to on a facile level. Despite generally good direction from Norwegian director Bent Hamer, a solid script and fine central performance, it’s too segmented to consider a complete success. The momentum of constantly moving from job-to-job and character-to-character robs the film of any consistency and leaves you ultimately uncaring.
It was certainly an entertaining watch but it seems to be a deliberate attempt to create a film with instant cult appeal, failing to get the balance right and misunderstanding the very nature by which films gain this status.
It would be entirely fair to say that, more often than not, I have films on my mind and it is a truth universally acknowledged that I’m nothing if not a stickler for an upholding of order when it comes to film-viewing.
A question every serious film fan has to face at some point is “what’s your favourite film?” or “your top ten films of all time?”. I normally skirt around this by saying it’s impossible to narrow down and that the best I can do is maybe a non-committal top 30-40 without any real ranking order. A lot of these films I think of as my favourites, but are they due a reassessment? Am I being honest with myself? Is tokenism or longstanding (possibly outdated) opinion all that’s keeping them in? Are they just there because they've always been there? Are they due a cull? Let’s see if I can narrow this down.
As I don’t want to this blog to be solely about lists and fetishistic ranking, here's the proposal: I’ll try to flesh this out a bit by way of a(n ir)regular series of sporadic postings where I’ll take each film of these 30 or 40 in turn, rewatch them, mull them over, write up my thoughts fairly fully and attempt to hammer this out for good. I'd expect this process to take place over the next year, or more.
This kind of thing is always going to be subject to fluctuation. There’s clearly a lot I’ve never seen and so it’s wide-open for new additions at any time. A top ten can never be a fixed thing. I'll refrain from posting the longlist for the time being, instead revealing each film one-by-one.
One of the most important aspects of this is going to be invoking a discussion with you, dear reader. It will hopefully stimulate and spur my own internal processes and I'll be challenged to come up with decent counter-arguments for their inclusion. Or not. While I definitely welcome, and wholeheartedly beg for, comments this is my list so I’m not really looking for judgement being passed on what is, or isn’t, on the longlist. Just your thoughts on the films as they come.
So, that's the plan. I'll try to start on this quite soon, running concurrently with the yearly challenge and keeping up with the review-writing. However, it is also a truth universally acknowledged that I’m nothing if not lethargic, so my nature may put paid to these machinations. We shall see.
El clásico de Mary Shelley sigue vivo, a lo largo de los años se ha versioneado una y otra vez de distintas maneras y en manos de diferentes directores. El último caso es el de "Frankenstein Rising", la primera versión gore de la historia del mítico monstruo creado por Shelley en 1818. Dirigido por Eric Swelstad ("The Curse of Lizzie Borden 2: Prom Night"), el film está protagonizada por Randal Malone, Margaret O’Brien, Domiziano Arcangeli y uno de los rostros más inolvidables del cine mudo, la ya fallecida Anita Page, siendo este su último papel.
La historia cuenta como un descendiente lejano del Doctor Frankenstein, se obsesiona con finalizar el trabajo que su familiar dejó por acabar, y decide replicar el experimento de volver a la vida a un engendro hecho de distintas partes de cadáveres humanos. Aquí os dejamos el trailer:
"Crushed" (tambien conocida por "She's Crushed") es un thriller de terror, que ha sido escrito y dirigido por Patrick Johnson, el film vendría a ser una versión sangrienta y sádica del clásico "Atracción Fatal" (Adrian Lyne, 1987). La película fue proyectada en varios festivales de cine internacional como el The ShockerFest y el Spooky Film Festival, recibiendo muy buenas criticas. El próximo 16 de Febrero de 2010 saldrá a la venta en DVD en los Estados Unidos.
Sinopsis: Tara es una joven que se ha fijado en Ray, su vecino de al lado. Un día, surge un inocente flirteo entre ambos, pero Ray no quiere ir más allá y decide dar por finalizada su relación con ella. Los planes de Tara son diferentes, ella se niega a ser rechazada y no está dispuesta a dejar escapar a Ray, Tara será capaz de hacer cualquier cosa para mantener viva la relación, aunque tenga que tomar medidas extremadamente dolorosas...
Natalie Dickinson, Henrik Norlen, Robert Paschall Jr., Hunter Carson componen el reparto principal. Aquí os dejamos el trailer:
Con cierto regustillo ochentero, nos llega "H1N1: VIRUS X", una cinta independiente y futurista que trata de un grupo de individuos que quedan atrapados en un búnker infectado por una cepa mutada del famoso y contagioso virus H1N1. El film está dirigido por el debutante Ryan Stevens Harris y protagonizado por Domiziano Arcangeli ("Silent Night, Zombie Night"), Joseph Zaso ("Demon Resurrection"), Sybil Danning ("Grindhouse: Werewolf Women of the S.S."), Dylan Vox, Sasha Formoso, Kyra Groves, Bo Burroughs y Jillian Easton, entre otros.
"H1N1: VIRUS X" cuenta la historia de cinco científicos que se encuentran en cuarentena en el búnker de un laboratorio tras quedar infectados con una forma mortal e hyper-mutante del virus H1N1.
Tienen tres días para vivir. Sin salida. Sin posibilidad de escapar.
Mientras el médico jefe supervisa los monitores de una sala de vigilancia oculta, los científicos deberán descubrir la desgarradora verdad que se oculta detrás de su detención y encontrar la manera de escapar. Pero un misterioso extraño se cruza en su camino... Aquí os dejamos el teaser trailer:
La actriz Zelda Rubinstein, popular por su papel de médium en el clásico de terror "Poltergeist" (1982), falleció hoy a la edad de 76 años en un hospital de los Ángeles, segun ha informado la prensa local.
De baja estatura, 1,30 metros, y de voz "infantil", Rubinstein dio vida en tres ocasiones al personaje de Tangina Barrons en la trilogía de "Poltergeist", una historia escrita y producida por Steven Spielberg, en la que la actriz se metió en la piel de una medium que se enfrentaba a fuerzas demoniacas.
Al margen de esas producciones, su carrera cinematográfica tuvo poca repercusión y participó en títulos como "Under the Rainbow" (1981), "Sixteen Candles" (1984), "Teen Witch" (1989) o más recientemente "Southland Tales" (2006).
En la pequeña pantalla fue parte de la serie de los 90 "Picket Fences", ganadora de los premios Emmy al mejor drama de televisión en 1993 y 1994, y fue narradora de los documentales "The Scariest Places on Earth".
Rubinstein nació el 28 de mayo de 1933 en Pittsburgh, Pensilvania (EE.UU.), fue la menor de tres hermanos y la única persona en su familia con problema de crecimiento.
La actriz había sido hospitalizada hacía dos meses después de sufrir un leve ataque al corazón. "Tenía frecuentes problemas de salud y desafortunadamente pudieron con ella", comentó su agente, Eric Stevens.
I’m not really sure how much there is to say about Tobe Hooper’s sophomore film, about a serial killer and his crocodile. To say it doesn’t match the raw, visceral splendour of The Texas Chain-Saw Massacre is an understatement but it’s still quite a fun watch. The slight premise revolves around a backwater hotel where the owner picks off anyone who turns up and disposes of their remains with the assistance of his scaly cohort. It’s so bare-bones as to have no discernable subtext and follows a formulaic structure throughout; guests arrive, soon depart (in parts).
Quite why Hooper chose to follow up on his first horror opus with an inferior carbon copy eludes me. Swap the sun-scorched Texan wilderness for the steamy bayou and add a hungry reptile, but keep all other elements startlingly similar. Present are the hardy heroines (again played by Marilyn Burns), bloodied but not beaten, who long-outlive their male counterparts. Present is the dissonant soundscape of shrill screeches which permeated Hooper’s previous film. Present is the remote location and brutal but bumbling killer with no discernable motive. Present (at times) is the vérité cinematography but never with the same degree of success. A woodland chase scene with the killer, flailing around wielding agricultural equipment, pursuing his bloodied prey is shot in such a similar way it’s hard not to think of it as a parody.
However, missing is the brutal brilliance and genuinely sickening, pulse-racing, drawn-out ordeal meted (meated?) out by Leatherface and family. Most notable by its absence is the finesse (for lack of a better word) with which Hooper handles the horror. Here, every jolt is so clearly plotted out in advance and often ruined by a clumsy mechanical croc which makes the shark in Jaws look like the Na’vi.
To pick it apart’s not really the point though, is it? It’s a trashy slash-‘em-up with a few great moments including a giallo-esque, crimson-hued night scene. The mumbling sociopath is well played and creepy enough, with a Nazi allusion even thrown in for good measure. There are some savagely efficient deaths, it's solidly shot and the location is well realised. The caged, dying monkeys are a nice touch.
It’s perhaps unfair to spend the review comparing it (unfavourably) to the director’s previous work but the similarities are plain to see, just nowhere near as well executed.
Acaba de finalizar el rodaje de "Nailbiter", un film de terror con monstruo incluido, que ha dirigido y producido Patrick Rea ("The Empty Acre").
"Nailbiter" cuenta la historia de una madre y sus tres hijas que viajan tranquilamente en coche, hasta que de pronto, se ven sorprendidas por un tornado en Kansas. Las cuatro se verán obligadas a refugiarse de la tormenta en un sótano de una casa, pero pronto descubrirán que allí no están solas...
El film está protagonizado por Erin McGrane ("Up in the Air"), Meg Saricks, Emily Boresow, y Sally Spurgeon. Aquí tenéis el trailer:
The world is a changed place, not only from 1959 Baltimore where this is set but also from 1982 when it was made. Diner occupies a particular strand of (usually male-dominated) films about the last flush of youth before an enveloping of adulthood and the responsibilities which come with that. It sits in esteemed company alongside stuff like Dazed & Confused, American Pie and, to some extent, Swingers.
It’s a film chiefly about banter. Six early-20s (as best I can tell) guys in various stages of college meet-up to trade quips and place spurious conquest-based wagers. It’s odd seeing the old pre-mangled Mickey Rourke and it’s easy to forget how effortlessly charming he was. A fact made all the more apparent when placed alongside a cast of ‘oh, I’d completely forgotten all about thems’ (Daniel Stern! Paul Reiser! Steve Guttenberg!) and Kevin Bacon. The problem with such a banter-based reliance is that the banter has to zing – and this rarely does. The script’s just not funny enough and gets mired in nostalgia-invoking pop culture referencing that must have already seemed like a lifetime ago by the time the film was made. When the banter works, such as in the aftermath of Mickey Rourke’s attempt to perform the popcorn trick (in the film’s most famous scene), it really is quite good. Perhaps a lot of the problem lies with me and my cynical modern eyes. Even the more ribald repartee appears tame and sweet-natured. Not to say this is how I’d prefer it but it’s hard to imagine the aforementioned snack-based faux pas passing with such little incident (and bodily fluid) in a modern comedy.
The film’s biggest problem is that it resides in the most awkward of sub-genres; the comedy drama. It’s lacking in sufficient dramatic weight and the characters are so loosely sketched that it all appears of such little consequence. Add that to the fact it’s not funny enough to be an all-out comedy and it’s stuck in this uncomfortable middle ground. This is particularly exemplified by the ending which performs an about-face tonal shift that jars no end. I just found it a totally unmemorable experience, unworthy of the near-classic status that seems to have attached itself to it.
It’s clear to see the film’s legacy though. In many ways it was ahead of its time. If it looks at all derivative, it’s because its influence is writ large in films featuring a young, all-male cast – although stopping well short of developing into a bromance. The beats it hits and the rhythm of some of the verbal sparring is really noticeable in stuff like Swingers.
That’s the film’s greatest achievement; the other, better works it has inspired.
A veces navegando por esos mundos de dios que es la red, uno descubre cosas oscuras, cosas malas, cosas que jamás deberían ser encontradas. Por supuesto, la enfermiza naturaleza del ser humano, ávido a experimentar con lo desconocido, a menudo nos juega malas pasadas, por no decir que también se nos engaña con suma facilidad, una cara bonita, un póster sugerente o un nombre y apellido, son suficiente tentación para hacernos morder la manzana y que perdamos ochenta valiosos minutos de nuestra vida que podríamos haber utilizado en algo mas productivo como cortarnos las uñas de los pies y prevenir así los tan temidos "tomates" en nuestros calcetines, claro que entonces, a ver que coño nos compran nuestras madres para navidad.
Como se suele decir, al diablo se le conoce por muchos nombres, en esta ocasión y para ser mas concretos, con dos: "Forest of the Damned" (el cual utilizaremos de forma oficial, mas que nada por que tenemos la letra "F" un tanto desnutrida) y "Demonic". Película inglesa escrita y dirigida por Johannes Roberts, que nos ofrece una producción a caballo entre cine profesional y amateur que echa mano de la "chuleta" estándar, grupo de jóvenes perdidos en el bosque y vieja cabaña con psicópata incluido, amén de alguna que otra criatura fantástica.
La pachanga de Roberts y amigos, nos sitúa en el viaje de un grupo de colegas por tierras recónditas, quienes después de un conocer a un amable lugareño que les advierte del temible mal que habita los bosques, sufren un accidente y atropellan a una joven. Con su vehículo averiado, deciden adentrarse en la espesura del bosque en busca de ayuda, hasta que llegan a una tétrica cabaña.
"Así sucedió que cuando en aquellos días se multiplicaron los hijos de los hombres, les nacieron hijas hermosas y bonitas, y los ángeles, los hijos del cielo, las vieron y las desearon."
Siempre he creído que la única utilidad práctica de la Biblia es extraer fragmentos para hacer introducciones de películas, siempre me ha parecido un recurso muy apañado. "Forest of the Damned" se abre con este pequeño fragmento que da paso a la tediosa e interminable secuencia de créditos que a vista de pájaro nos invita a un "tour" por el bosque maldito al son de la "terrorífica" banda sonora, interpretada con un teclado CASIO de aquellos con los que tocábamos orgullosos el "Happy Birthday" de pequeños y que sirve para preparar el terreno de lo que nos vamos a encontrar a continuación, por que la película de Roberts enseña todas sus cartas desde la primera secuencia, y no precisamente una mano ganadora.
Bajo un aspecto de proyecto de fin de curso de escuela de cine, "Forest of the Damned" nos aborda con toda la carne en el asador (y no es ninguna metáfora), donde ya en la primera escena, aparece una tía en pelota picada que seduce a un joven que se besuqueaba con su pareja en el bosque a la luz de la luna. Esta joven, como bien se nos explica mas adelante, es un ángel expulsado del cielo que vaga por la tierra de ligoteo con los pobres mortales para a continuación devorarlos. Esto de entrada ya desconcierta, pues yo siempre había creído que los ángeles no tenían sexo, a ver si ahora va a resultar que el cielo no es ese lugar cursi de algodón blanco, música pop y celibato eterno y que Dios, lejos del bastardo despreocupado y chapucero por el que siempre le he tenido, va a ser un tío guay con botas camperas, chaqueta de cuero, que se pone palote con "Judas Priest" y se descarga películas por el Emule...
Bueno, lo que iba diciendo, tetas y culos por doquier para intentar maquillar todas las deficiencias de un lamentable guión y de unas interpretaciones que rozan lo cómico (en este sentido se llevan la palma el tal "Emilio" y su simpática hermana, simplemente dantescos).
¿Que finalidad puede tener entonces castigarse con semejante basura? Muy fácil, un nombre y un apellido. Y es que la primera vez que vi a aquel motero cabronazo recorriendo el centro comercial atropellando muertos vivientes en la mítica "Zombie" de Romero, supe que ese sería el principio de una bonita amistad. Mas cuando descubrí que el tipo no solo era un buen mozo y un actor cojonudo, sino también un habilísimo director como dejó constancia con aquel genial remake de "La Noche de los Muertos Vivientes" y que además teníamos algo en común, por que el también era un "Sex Machine". Por supuesto, estoy hablando de Tom Savini, una de las personalidades mas carismáticas del mundillo, al que hemos podido ver enrolado en proyectos tan extravagantes como "Lost Boys 2: The Tribe" a modo de "Guest Star" o haciendo de maestro de ceremonias en el interesante documental sobre la franquicia de "Viernes 13" llamado "His Name Was Jason".
En esta ocasión, no se si le debería un favor a alguien o si su presencia se justifica como mera diversión, pero la verdad es que resulta curioso ver a alguien que convierte en oro todo lo que toca, metido en semejante berenjenal. Por supuesto, su presencia es de largo lo mejor de la cinta (si, mucho mejor que las tetas y culos), interpretando al chalado de turno con hacha en mano que se une a la fiesta de jóvenes aterrados y ángeles en pelotas, obsequiándonos con algunos caretos marca de la casa que nos arrancarán alguna que otra sonrisa.
Pero que nadie se engañe, ni siquiera la presencia de "Sex Machine", mas allá de la anécdota, sirve para elevar el interés de la película, la cual se mueve en una soporífera tesitura donde todo el metraje parece de relleno y apenas pasa nada destacable quitando un par de secuencias donde supongo se han dejado las pocas pelas de que disponían. Eso, y por supuesto las tetas y culos, prestados para la ocasión por un par de asiduas al género, Marysia Kay y Eleanor James, a las que ya pudimos ver juntas en la lovefcriana "Colour From the Dark", que encarnan a dos de las angelicales criaturas que recorren los bosques en busca de carne. Y en este sentido encontramos uno de los pocos aspectos que se salvan de la quema, unos correctos efectos especiales (en los que nada a tenido que ver Savini), destacando las sencillas pero eficaces caracterizaciones y una par de secuencias gore.
Conclusión "Forest of the Damned" es un bodrio antológico que tiene bien poco que ofrecer a parte de la presencia de Tom Savini a modo de gancho, de algún efecto gracioso y claro está, de la posibilidad de ver a alguna que otra tipa de buen ver deambulando de aquí para allá. Una película solo recomendable para los seguidores mas fetichistas de Savini y que quieran verlo haciendo el payaso con los colegas. Para el resto de mortales, cerrad puertas y ventanas, apretad el ojete del culo, y rezad para que esto nunca entre en vuestros hogares.
Hace algun tiempo, os hablamos de "Dead Cert", un film de vampiros que nos llega desde Gran Bretaña y que ha dirigido Steve Lawson y esta protagonizada por Craig Fairbrass ("White noise 2"), Billy Murray ("Doghouse"), Steven Lawson, Dexter Fletcher, Dave Legeno, Janet Montgomery y Jason Flemyng .
El film narra como una banda de rudos gangsters londinenses negocian con un grupo de empresarios que quieren hacerse con su club, "El Inferno". Los gangsters no aceptan la compra, y se verán envueltos en una lucha con los empresarios, que son nada menos que un clan de vampiros. Aquí tenéis el trailer:
"The Dead", la prometedora road movie rodada a través de África en pleno apocalipsis zombie que dirigen y escriben los hermanos Jonathan y Howard J. Ford, ya está terminada y busca distribuidora, es por ello que ha estrenado un nuevo trailer oficial, el cual podéis ver al final de esta noticia.
Sinopsis: El teniente Brian Murphy se encuentra en condiciones extremas y deberá unirse a Daniel Dembele para que los dos hombres consigan encontrar el camino hacia lo que ambos dejaron atrás en sus vidas mientras luchan contra una terrorífica amenaza de la que no parecer haber ninguna escapatoria. Aquí os dejamos el nuevo trailer:
With a weight of expectation heaped upon it for being based on a script/treatment co-authored by the late Krzysztof Kieslowski, it will always be destined to struggle to match or, Heaven forbid (pun intended), exceed those expectations.
Playing out like an exercise in veneration and legacy-building, it feels very much like ‘Hollywood does Euro arthouse’, somehow lacking the ring of authenticity. Despite a healthy European pedigree, the hands of the Weinsteins and co-producers Anthony Minghella and Sydney Pollack rest heavy on its shoulders. It seems to want it both ways; to be taken as seriously as Kieslowski’s other work but be accessible to a global market.
It opens strongly with a jolt-inducing opening act of terrorism and Philippa’s (Cate Blanchett) dawning realisation of the consequences of her actions is well-handled and profoundly moving. The decision to cast Giovanni Ribisi as her foil is the perfect example of the lack of commitment to getting it right. Set entirely in Italy with the majority of the dialogue spoken in the native tongue, the lead Italian role goes to an American of Italian origin, ostensibly to sweeten the pill of it all becoming too European. That’s not to say he’s not passable in the role but it screams of half-measures.
It does have moments of greatness though. While possibly slightly too neat, the bookends are at least satisfyingly done. Blanchett, as ever, delivers a fine performance with a near-faultless English accent and it’s nice to see Ribisi can play something other than wild-eyed creep.
The greatest asset is the stunning cinematography, helped along by sweeping aerial shots across the russet-toned landscape. Tom Tykwer is a solid and, dare I say, exciting director with the occasional misfire (The International) but an otherwise solid body of work across different genres. I can’t tell if the fault lies with the script or the direction but despite the story being told at such a meticulous, measured pace it takes huge leaps in both logic and character motivation. What takes place across a mere few days is filled with characters who make snap-judgements on a whim as if they’ve been in each others’ company for a lifetime. But maybe that’s the point. To me, the core relationship never felt developed before gradually subsiding into a pensive lovers-on-the-lam picture.
It’s difficult to say what this could have been without a Hollywood connection. It would presumably offer even less answers than it does in its current state but would maintain a purity which is lost in this cross-cultural muddiness.
"It's Alive" (la original) sea posiblemente de las películas más entrañables de mi adolescencia y una de las que recuerdo con más cariño, recuerdo la primera vez que la ví, fue en aquel ya legendario programa de Antena 3 llamado "Noche de lobos", quedando grabada desde aquel mismo instante en mi memoria, y aunque difuminada por el paso de los años, es imposible olvidar ciertos elementos, esa atmosfera insana tan particular del cine de época, la grotesca naturaleza de la criatura o la mítica secuencia final de la persecución por las alcantarillas.
Ahora, en plena era de los remakes, sentí (iluso de mi) que esta nueva versión dirigida por Josef Rusnak era una perfecta oportunidad para recuperar un trocito de mi pasado, recordar viejos tiempos, así como una oportunidad de acercar tan macabra historia a toda la horda de nuevos seguidores del género que no tuvieron en su día la oportunidad de disfrutar del clásico de Larry Cohen.
Después de la gran decepción que me supuso "Grace", película a priori de temática similar que trataba sobre la relación entre una madre y su recién nacida hija zombie, pero que a la postre quedó más cerca del drama de mal gusto que del cine de terror, tenía ciertas dudas con la nueva película de Rusnak, y esta vez no me equivocaba, "It's Alive" es uno de los peores remakes que he tenido la desgracia de visionar.
Que a nadie le engañe ni la fantástica banda sonora de la que hace gala el filme, ni el prometedor momento del parto, pues esto es todo lo que vamos a sacar de provecho en los apenas 80 minutos de metraje, ya que intentar comparar esto con la versión original es como poco una broma de mal gusto, incluso dejando de lado comparaciones (algo que siempre intento hacer en estos casos), lo que tenemos es una película lenta, previsible y que explota hasta la saciedad todos los tópicos del género, que se resume de la forma más simple, una serie de intranscendentes muertes a manos de la criatura mientras su madre (a quien interpreta Bijou Philips, a quien pudimos ver en "Hostel 2") intenta cubrir sus actos.
"It´s Alive" está narrada de forma torpe y carente de interés alguno para el espectador, de esto tienen la culpa especialmente dos factores, el primero es la total ausencia de empatía de la protagonista. A ver, todo el mundo sabe que cuando una mujer se convierte en madre, suele experimentar ciertos cambios de conducta y que su percepción del mundo cambia teniendo desde ese momento, a su hijo como centro de su universo, pero de ahí a hacernos creer que una persona supuestamente cuerda (en ningún caso se sugiere lo contrario durante la película) sería capaz de permitir o justificar los atroces asesinatos cometidos por su hijo, hay un trecho largo, por eso creo que "It's Alive" es uno de esos filmes que intentan tratar de tonto al espectador, sino que alguien me explique como es posible que en algunos momentos se nos muestre al "bebé" como un crío perfectamente normal de su edad, uno de esos a los que la gente le hace gracietas por la calle y sueltan gilipolleces del tipo "que niño más guapo tienes", "ha sacado los ojos de su padre", y toda esa serie de tópicos absurdos, cuando la verdad es que la gran mayoría de crios a esa edad son feos de cojones, yo mismo, siendo en la actualidad un adonis, fui una auténtica aberración de la naturaleza es su momento... bueno, retomando lo que decía (que con esto de los críos me enciendo), unas veces se nos muestra como un niño normal, y otras como una especie de "Gollum" hecho por ordenador que os puedo asegurar que es lo más cutre salchichero que he visto en muchos años, parece mentira que los FX de la película original (y estamos hablando del año 1974) sean infinitamente superiores a los de esta nueva versión, que si en algo tenía la posibilidad de superar a su predecesora era precisamente en este aspecto. Eso si, sangre a gorgotones, incluso algo desmesurado, pero nada de gore explícito, tan sólo hay una secuencia en todo el filme y mantiene el mismo nivel que lo visto con el monstruo, así que no me extraña que hayan optado por obviar las muertes.
Conclusión, "It ´s Alive" sube sin excesivos problemas al podium de los tres peores remakes que he tenido la desgracia de sufrir, una película que no consigue transmitir absolutamente nada y que sale perdiendo en todos los aspectos si la comparamos con la original de Cohen (quien por cierto y aunque parezca increíble, aquí hace labores de guionista), una película la de 1974, que abordó en su momento y con mucho acierto, un tema social tan candente como el de las píldoras anticonceptivas y sus posibles consecuencias y le dio una vuelta de tuerca para convertirlo en una sobrecogedora historia de terror, mientras que lo que nos ofrece el señor Rusnak es un producto vacío, sin personalidad, que no consigue incomodar en ningún momento y lo que es peor, técnicamente desastroso. Lo único que se puede rescatar de este esperpéntico proyecto es su banda sonora y sus fantásticas carátulas, especialmente la del bebé con una calavera en el ojo. ¿Suficiente?, va a ser que no.
Al visionar "Stag Night" ha sido imposible que a un servidor no le vengan a la cabeza antiguas juergas nocturnas con los colegas, ingredientes tales como trifurcas en la puerta de la discoteca de turno (eso si, siempre en distinguidos garitos de heavy metal, nada de mariconadas), borracheras interminables, corredizas por el subsuelo de la ciudad y demás gilipolleces que hacen que me alegre de no tener veinte años de nuevo, por que en los tiempos que corren, la mejor opción es quedarse en casa y tomarte una cervecita a la salud de la puta vecina chiflada de al lado (la cual merece morir lenta y dolorosamente, cosa que no descarto hacer con mis propias manos) mientras te ves un par de películas de terror con la parienta. Pues si, "Stag Night" me ha recordado a eso y a que las oportunidades hay que aprovecharlas cuando se presentan, por que alguien tendría que haberle dicho al Nóbel director del filme, que no se puede desperdiciar la "primera vez" con una fulana.. Digo, con una película de este tipo, por que de entre todos los subgéneros entre los que podía elegir el señor Peter A. Dowling para debutar como director (también guionista), ha optado por el "slasher" o "survival" clásico, de esos que pegas una patada a una piedra y aparecen un buen puñado de ellos, con sus tópicos y clichés incluidos, claro.
Tampoco se puede decir que se haya intentado hacer algo demasiado original en lo que a historia se refiere, en esta ocasión Dowling a elegido el metro de New York como escenario de los acontecimientos, algo que ya se ha explotado en suficientes ocasiones como para resultar mínimamente personal, películas como "Creep", "Trackman" o sobretodo la súper recomendable "Midnight Meat Train" con el cachondo Vinnie Jones al frente, son algunos pocos ejemplos. Así que juntamos estos dos elementos, "slaher" + "metro", pues no hace falta haber estudiado FP para olerse lo que vamos a encontrar en los escasos 75 minutos de metraje aquí contenidos.
Pues si, estáis en lo cierto, la cinta sigue a rajatabla los conceptos básicos del subgénero, y bien podríamos definirla como una hermana bastarda de "Las colinas tienen ojos", con un grupo de muchachos atrapados en el subsuelo que sin comerlo ni beberlo y por aquello del destino, se cruzan con un grupo de clones de Rob Zombie que son muchas cosas menos vegetarianos, comenzando así una frenética persecución entre estos neardentales (de los cuales sorprende que no sepan hablar pero sí manipular cables para montarse chiringuitos con tele incluida) y el grupo de pobres desgraciados, donde para darle ese toque de dramatismo que la situación requiere, se ha echado mano de un grupo de amigos celebrando una despedida de soltero, uno está muy enamorado, otros son hermanos, otro es padre de una preciosa criatura, etc.., vamos, para que la caída sea de más altura, aunque no se puede decir que esto resulte demasiado efectivo, pues todos ellos despiertan mas indiferencia que otra cosa, y por supuesto no estamos ante una película tan macabra como la mencionada "Las colinas tienen ojos" de Alexandre Aja (donde curiosamente si encontramos una similitud, pues ambos filmes comparten protagonista femenina en las carnes de la actriz Vinessa Shaw) ni tan divertida como "Wrong turn 2".
Pero lo peor de "Stag Night" no es esto, por que al fin y al cabo, entre tanto tópico y constante repetición de situaciones vistas miles de veces, no se puede negar que encontramos alguna que otra secuencia gore interesante, de bella factura incluso, y tampoco me atrevo a decir que sea una película tediosamente aburrida en plan "Trackman", lo que más me ha molestado es el irritante uso que se hace de la cámara a lo largo del filme (y yo me se de uno que se mareaba viendo "REC".. aquí iba a echar hasta la primera papilla), o el cámara tenía parkinson (y disculpadme el chiste barato) o no se entiende, pues resulta realmente molesto centrarse en lo que está pasando cuando la cámara no para quieta un segundo, esto se acentúa en las escenas de acción, que se convierten en un auténtico galimatías que ríete de cuando intentábamos ver la película porno de los viernes por la noche en el canal+ sin descodificador.
Conclusión, "Stag Night" es una película falta de personalidad, que coge elementos de otros muchos productos similares y los sirve tal cual, predecible, indiferente y olvidable, donde si le sumamos su incómoda factura técnica y la excesiva oscuridad de muchas de sus secuencias, acaba conformando una experiencia si no aburrida, si un tanto confusa y difícil de digerir. Lo mejor, sus buenos FX, por lo menos que no falte sangre, y sobretodo, su excelente banda sonora, con un tema principal digno del mejor Carpenter.
Iba a decir que estas cosas en el autobús no pasan, pero esperaos a ver "Shuttle".
I won’t dwell on this. We all know how good it is; The Godfather Part II of animated sequels. It’s a step up on every front from the already masterful first entry in the series. While it’s not enough to warrant a subtraction from the rating, not only is there absolutely no benefit to seeing this in 3D, it actually detracts from the overall experience as a result of the finely honed colours being muted and deadened in the process.
5/5
All About Steve
I realise the reaction I’ll get to this is ‘why did you bother in the first place?’ My response to that would be that I’m not snobbish; I’ll give most flicks a chance. Every film deserves a fair trial and all that.
It’s almost a futile exercise picking a film like this apart. Almost. It’s so rare that a film gets it so wrong and so misjudges everything from the comedy, to the romance to the expectations of its audience.
Sandra Bullock (who I’ll admit I find entirely watchable and will further happily admit that I quite liked The Proposal) plays Mary, a crossword compiler(!), who struggles to find a man let alone hold one down. That’s why her parents set her up on a blind date with the titular Steve (Bradley Cooper). Within minutes she’s already exerted a number of character traits which mark her out as an annoyance of Purgatorial proportions. It’s de riguer for a romcom to have a zany lead female, it goes with the territory, but Mary’s quirks are borderline socially subnormal. She’s so ‘hyper-intelligent’ that she has seemingly lost all rational sense and displays enough cautionary tics that I’m pretty certain a psychological assessment would deem her certifiable. The film seems fixated on the fact that she incessantly wears red knee-high boots as if that were somehow more indicative of her maladjusted mental state than the fact she stalks a guy who she’s only just met across the country. It says a lot about her character that even when she’s in allegedly mortal danger, her parents watch her plight on telly from the comfort of their sofa.
For a romcom to succeed it requires at least one of the leads to be in some way likeable (preferably both) but here even the straight co-lead is so intensely detestable and dull that any potential emotional investment in the film falls by the wayside.
I’m giving the benefit of the doubt that the film is attempting satire on some level, otherwise lurching from 'extra-appendaged infant' to 'deaf children trapped down a mine' sub plots is as peripherally psychotic as its protagonist. An attempt to crowbar in a rival news reporters motif cries plagiarism, if nothing else, and a crossword metaphor-laden narration is a constant irritant.
From start to finish this is risible. When even a ‘don’t rape me’ gag levelled at a helpful stranger fails to get a rise, you know you’re in stormy waters indeed.
5 Down (5-3-4): metaphor for this film; complete canine faeces.
1/5
Brothers
If there are two drama sub-genres more likely to make me instantly lose interest they are ‘dysfunctional family with a side of sibling rivalry’ and ‘The War On Terror’. It’s not damning with faint praise to say that Brothers managed to not only hold my interest but actually made me care about the characters.
Sam (Tobey Maguire) is the marine about to return to Afghanistan, coinciding with the release of his brother, Tommy (Jake Gyllenhaal), from prison. When Sam is presumed KIA, a romance of sorts blossoms between Sam’s wife, Grace (Natalie Portman), and his sibling.
The film is more successful when it’s rooted in glacial New Mexico than it is during the Afghanistan segments but it’s not without its faults. For me, the main fault which kept taking me ‘out of’ the film was the casting of the three central characters. There comes a stage in every juvenile actor’s career where they have to make the transition from playing youngsters to playing proper, grown-up people. I’m not sure this was a success for any of the triumvirate in that respect. Tobey Maguire in particular never convinces as the hard-bitten marine or family man. There’s even a script acknowledgement of this in saying that he looks incongruous as a former high school football star. There’s an overriding sense from the leads that they’re playing dress-up rather than convincing as fully-rounded adults with their own families and failings. When Natalie Portman’s character says “I’ve loved you since I was 16 years old” I couldn’t help but think ‘how many weeks ago was that?’
To be completely fair the performances weren’t a dominant problem, just a niggling doubt which kept reappearing to remind me that this was all a contrivance. It works best when it’s a quiet, low-key drama before it errs towards the slightly bombastic. Two particular scenes set around dinner tables stand out as some of the most believably nerve-racking I’ve seen in a while. Never has the bursting of a balloon been wrung for so much tension.
The film’s ably handled by Jim Sheridan and, as is usually his way, never spectacular or grandiose. It’s workmanlike but it does the job. However, I have to hold him personally responsible for the nationalistic nepotism shown to U2. Not only does a new track get its own opening credits billing, and play out over the end credits, but an entire poignant scene is completely non-ironically constructed around the merits of listening to the Gaelic rockers.
I fear I may have come across too negative towards the film when I really did like it. It was more than I expected it to be and certainly more than the sum of its parts.
You know what you’re in for as soon as you even consider seeing it. A widower struggles to raise and connect with his sons while coping with the loss of his wife. Not the most rousing subject especially when burdened with the apocryphal, disheartening ‘inspired by a true story’ motto.
I’ll confess that I’m a sucker for a weepy if it’s played right and this manages on a base level – although it will always struggle to rise far about the distinctly average. All that marks this out from a hundred other similarly-themed lachrymose melodramas is the Australian backdrop (perfect for tortured walks, endless driving scenes and shoehorned-in kangaroos). To give it credit, it doesn’t dwell on an initial lingering death scene but just about everything else plays out with somewhat banal efficiency. There’s the vaguest attempt to keep this topical with a Skins-esque problem party subplot that comes from nowhere and disappears just as fast. Clive Owen’s character has a filmically prerequisite, typically interesting job (sports journalist) which requires him to sound knowledgeable about the contemporary tennis references which litter the film – as well as be away from his family a lot. Groan.
It is nice to see Clive playing something requiring a semblance of characterisation despite him always struggling to hold my interest, even when using a carrot as an offensive weapon in brainless stuff like Shoot ‘Em Up. His vacant, (almost) emotionless performance at least delivers here as a character drained of sensation and seemingly void of any spirit. The children are about as annoying as is to be expected, ticking the boxes of adorable, long-haired moppet and issue-plagued teenager, played by Rupert Grint’s wet clone.
Sure it’s earnest and predictable and life lessons are learned but it stands as a pretty decent example of this kind of thing. If that is sort of thing you like.
Winsome, lose some.
(Just scraped) 3/5
The Hide
In the realm of the low-budget Britflick the dialogue-heavy, two characters/one location drama is a standard fallback response to financial constraints and can be brutally efficient. The Hide is just such a film. Set entirely on the marshes in a clapped-out birdwatching hide, two dissonant characters meet and the talking begins.
Roy Tunt (Alex MacQueen - best known as The Thick Of It’s blue sky maestro, Julius Nicholson) is the fastidious, fairly one-note twitcher visited by a haggard stranger (Phil Campbell), all tattoos and booze-slugging. As the two tentatively try to suss each other out, the conversation takes in grammatical correctness, Scotch eggs and ornithological procedure. There’s humour to be had from this minutiae and the mismatched pairing never seems overplayed. MacQueen’s performance holds the film together and his Middle Englander ruing the disruption to his routine, while never groundbreaking, proves well nuanced and seemingly second nature. It’s an interesting choice not to have his character turn to simpering fool when faced with a tense situation, instead trying to take control through simply carrying on as normal. There is a power struggle at work but it’s underplayed, with the priggish Roy seemingly more aghast at the lack of social grace displayed by his compadre than concerned with who’s in control.
The film has the washed-out, muted palette favoured by low budget filmmakers (to mask deficiencies?) but it looks great and the location is suitably weather-beaten and atmospheric.
The film’s biggest problem, and it is a big problem, is that this genre relies upon an inevitable twist and this particular set-up only really presents one viable option. In its attempts to lead you in a particular direction you instinctively stray in the opposite and hit upon the crux. It all gets a bit silly towards the end but the build up is pretty masterful.
Very much in the same mould as stuff like Exam, its dark humour and fine performances mark it out above other comparable works. Above all else, it taught me a few fine facts about our avian friends.
A taut, tense thriller likely to make you twitch. (Sorry).
El británico Drew Cullingham debuta en la dirección con el largometraje "Umbrage", un oscuro film de vampiros escrito por el propio Cullingham, y protagonizado por Doug Bradley ("Hellraiser"), Jonnie Hurn ("The Zombie Diaries"), Rita Ramnani, Natalie Celino, Grace Vallorani, James Fisher y Scott Thomas.
Sinopsis: En el viejo oeste, el asesinato de un vaquero es frustrado por una sensual vampiresa. Cien años más tarde, un antiguo espejo de obsidiana, es desenterrado en el desierto de Mesopotamia, por un coleccionista americano y transportado ilegalmente a Europa.
Jacob, un anticuario sin escrúpulos, se traslada a una remota granja con Lauren, su joven esposa embarazada y Rachel, su conflictiva ayudante, con el objetivo de vender el espejo al mejor postor. Cerca de allí, una hermosa ornitóloga que busca lechuzas en la noche, es molestada por dos excursionistas ruidosos, cuando uno de ellos es mutilado salvajemente, se verán obligados a buscar refugio en la granja de Jacob.
Algo se ha liberado en la oscuridad de la noche, las sombras asumen vida propia, y la sangre comienza a fluir. Quizás sea el siniestro vaquero que se oculta en el granero y que no parece reflejarse en ningún espejo, o quizás sea porque el artefacto negro y brillante es un talismán encantado y el portal de Lilith, la primera mujer de Adán que fue expulsada del paraíso para terminar con su demoniaca descendencia.
La familia se encontrará entre el rencor de un vengativo vaquero no-muerto y Lilith, madre de los succubus, gobernante de sombras, matarife de los niños y consorte del diablo. A veces la única arma contra el mal es el mal por sí mismo..."
Aquí os dejamos el trailer promocional de la película, que pinta bastante decente:
This might be, and most probably is, old news to those who’ve seen it but this is probably the best film I’ve seen so far this year, and it’s bloody ancient. I struggle to fathom why The Fisher King has eluded me for so long. Irrespective of the 18 years already passed since its release, it has sat on my DVD shelf for well over a year without ever prompting the desire to watch it. I can’t grasp why that is as I’m a huge fan of Terry Gilliam. I would wager the main reason I’ve been put off watching it is attributable to an assumption of over-sentimentality, personified as about 5’8”, long of nose and with hair on his upper torso like an adult, male Silverback. The ‘former-shock jock turns his life around with the help of a deranged homeless man’ synopsis does nothing to allay that fear.
I’m glad I have now watched it. It’s probably Terry Gilliam’s most well-rounded film. It would be easy to say it was because it was his most mainstream, or at least most accessible, but it still does have the unmistakable feel of A Terry Gilliam Film. He reins in his sensibilities just enough to let the movie play out without collapsing under the weight of the fantastical elements which, when left unchecked, can overbear/derail his films. Those fantastical elements are still there in abundance but they never dominate at the expense of character.
The Fisher King contains (and this is high praise indeed) some of Mr Gilliam’s most striking visual images. The train station dance and, in particular, The Red Knight as it rampages by firelight on snorting steed through NY’s streets (and Robin Williams’ mind) is both astonishing to look at and a heartbreaking metaphor all at once. Gilliam’s trademark unorthodox camera angles, set design and wondrous practical effects are all present and correct and it’s so refreshing to look back on a time when a film set in the Big Apple was actually filmed there. An authentic sense of place really does make a difference.
Jeff Bridges (who I could watch pluck his nostril hair, and still sit fascinated) is equally at ease as the arrogant asshole as he is the soul-searching schlub. Robin Williams adopts a slightly more dramatically heightened version of his then-contemporary shtick – and it works. Even when prancing, basked in moonlight, with his chap out he never becomes an irritant. The massively underappreciated and all-but-forgotten Mercedes Ruehl does the spunky Noo Yawk broad thing better than any other, staying just the right side of going all Rosie Perez.
It’s a tale of redemption without ever resorting to tropes. The chemistry between Bridges and Williams is what sets this film apart, never quite leading you where you expect it to. The quirky/kooky romance between Robin Williams and Amanda Plummer surely serves as inspiration for a lot of the indie romances propping up the screens today.
Twelve Monkeys notwithstanding, this is maybe Terry Gilliam’s masterpiece.
5/5
Tokyo Drifter
Swinging sixties Japan is a combination of time and place I’ve never visited, film-wise. The criminal underbelly of it, even less so. As such, Tokyo Drifter is my first foray into that particular subculture. It’s very much a product of the 60s and its legacy is apparent throughout. The colours are, as you would expect, vibrant and enliven the film to no extent. The music is all crashing cymbals and horn sections. The eponymous balladeer is caught between rival gangs and spends the film lurching from one action set-piece to another but I just never found myself particularly drawn-in. There’s a lot to like but something just wasn’t quite there for me.
Visually effervescent but never quite compelling.
3/5
NB – These are straight-off-the-bat, get-‘em-out-there, not-fully-considered reactions. They’re more initial responses than full reviews.
El próximo día 29 y hasta el 4 de febrero tendrá lugar la cuarta edición del "After Dark Horrorfest".
Como es habitual, el festival de cine de terror que se celebra cada año en USA, estará compuesto por 8 films independientes de terror, en esta ocasión y como ya os hemos ido informando, presentarán los siguientes films: "Dread", "Hidden", "Kill Theory", "Lake Mungo", "The Final", "The Graves", "The Reeds" y "Zombies of Mass Destruction".
Aquí tenéis el video oficial del festival, realizado con imágenes del los "8 Films To Die For" de este año:
"Nydenion" es un film alemán de ciencia ficción financiado y producido por un pequeño grupo de cineastas, estudiantes del medio y cinéfilos, que han dedicado la mayor parte de su tiempo libre para realizar la película.
Los grandes clásicos del espacio ("Alien", "Star Wars", "Gallactica"), han sido la fuente de inspiración del equipo que ha realizado el proyecto, que sin contar con un gran presupuesto, han sabido utilizar las herramientas que tenían a mano para demostrar que también es posible hacer películas de ciencia ficción en Alemania.
La historia está ambientada en un futuro lejano, la humanidad se ha extendido hacia el espacio. En el transcurso de los siglos las primeras colonias se han convertido en imperios gigantes, luchando por la supremacía de los últimos 75 años. La paz esta olvidada desde hace tiempo y la tierra es sólo una leyenda...
Rick Walker, un antiguo piloto de caza, que ahora se ha convertido en un desilusionado viajero independiente, es contratado para llevar a una misteriosa mujer al lugar de una negociación secreta para conseguir la paz. Durante el viaje, Walker y Perkins son atacados por un enemigo que parece proceder de las filas de su propio ejército, un enemigo que Walker conoce muy bien...
"Eaters" es un nuevo film independiente de zombies dirigido por los italianos Luca Boni y Marco Ristori (ambos miembros de Extreme Video, productora de cortos y videoclips) y producida por el polémico director alemán Uwe Boll ("BloodRayne", "Seed").
El film cuenta como la humanidad ha sido devastada por una epidemia mortal y el mundo está invadido por hordas de muertos vivientes. En este marco postapocalíptico, Igor y Alen, dos cazadores de zombies y un científico llamado Gyno, recorrerán el mundo tratando de encontrar respuestas a lo que le ha sucedido a la raza humana.
Guglielmo Favilla, Alex Lucchesi, Steve Sylvester, Rosella Elmi y Richard Burton protagonizan el film. Aquí os dejamos el trailer:
